Écrit par Tom | 3 décembre 2020
L'art est un monde de multitudes comme en atteste son histoire. Son évolution reflète les mondes des artistes qui lui ont donné vie et qui nous offrent un aperçu d’époques dont les souvenirs se seraient autrement évanouis. Couvrir l’intégralité de l’histoire de l’art est une tâche pharaonique, c’est pourquoi nous nous sommes concentrés sur l'art européen du XVIIe au XXe siècles. Nos experts en art classique et art moderne nous emmènent à la découverte des plus grands mouvements de l’histoire de l’art au gré des époques.
L’art du XVIIe siècle – Le style baroque
Porté par la Contre-Réforme catholique, le style baroque a dominé le XVIIe siècle. « La période de la peinture baroque s’étend des années 1600 jusqu’au début du XVIIIe siècle », explique l’experte en art classique Caterina Maffeis. « Elle couvre un large éventail de styles mais son unité réside dans une grande force dramatique, son opulence, ses couleurs intenses et ce qu’on appelle le clair-obscur. »
L’art baroque se distingue par son imagerie religieuse qui se concentre sur le réalisme et l’attrait émotionnel de ses sujets. Il a joué un rôle essentiel à une époque où l’Église catholique a cherché à se rapprocher du peuple et à réaffirmer sa piété. Ce courant se concentre sur le contraste clair-obscur, souvent représenté dans les tableaux comme une lumière traversant un dôme central et illuminant le sujet par le haut, illustrant alors le lien entre le ciel et la terre.
Selon Caterina, un artiste incarne parfaitement le mouvement baroque. « Peter Paul Rubens est un peintre flamand dont l’influence est palpable dans toute l’Europe. Sa toile Adoration des bergers rassemble tous les aspects du style baroque », développe-t-elle. « Le « pathos » de ses personnages et l’architecture habillant la scène donnent l’impression d’une scène de théâtre. On notera les putti survolant la Nativité, la variété de bergers dans une scène chorale, la nature morte représentée par les chèvres, les pigeons et le seau en arrière-plan. Et surtout la magnifique utilisation de la lumière imprégnant chaque élément d’une grande force dramatique. »
L’art du XVIIIe siècle – Le style rococo
Tandis que l’art baroque s’est principalement épanoui dans l’Italie de la Renaissance, l’art rococo, lui, est originaire de France. Style parisien voulant se défaire des lignes strictes et du sérieux du classicisme français, le rococo se veut décoratif, léger et extravagant. Son nom vient du mot « rocaille », un clin d’œil à la redondance des coquillages et des roches parsemant fontaines et grottes ornementales de la Renaissance italienne. Les artistes rococo ont réutilisé ces éléments dans la sculpture et l’architecture, mais pour la peinture, les motifs du littoral étaient jugés plus subtils. Les lignes voluptueuses et les tons pastel et fantaisistes reflètent ici l’exubérance envoûtante de la mer. « Au centre de l’art rococo se trouve la beauté et la grâce », nous dit Caterina. « Les artistes de l’époque travaillaient avec des sujets richement habillés, dans des scènes de cour, romantiques, insouciantes. Un certain réalisme se mêle à des figures fantastiques, entre faits et fiction, toujours fidèles à la fantaisie rococo. »
Allan Ramsay illustre ce style à merveille. « Les portraits de Ramsay sont un parfait exemple d’art rococo. Ils sont détaillés, élégants et s’efforcent de sublimer leurs sujets. » Selon Caterina, c’est ce qui explique la popularité du style rococo aux yeux de l’aristocratie. « Pour sa grande légèreté, sa sensation de luminosité et son élégance, le rococo est devenu le style favori des « élites » qui toutes voulaient être représentées dans le même goût lumineux, sophistiqué et détaillé. »
L’art du XIXe siècle – Le romantisme
Si le XVIIIe siècle a touché à la fantaisie, alors le romantisme du XIXe siècle l’a sublimée. C’était la forme d’art dominante de l’époque ; un rejet du rationnel et un épanouissement du merveilleux et des émotions. « Au cœur du romantisme, il y a l’idée que la raison ne suffit pas à tout expliquer », pour Gianna Furia. « En réaction au culte de la rationalité ayant éloigné les gens de la religion, des croyances traditionnelles et du rituel, les romantiques ont recherché l’appel du subconscient, de la profondeur. La science a désenchanté le monde en essayant d’en expliquer tous les mystères, le romantisme s’est efforcé de raviver ses mystiques, ses merveilles, ses beautés. »
Pour quel rendu ? Selon Gianna, il s’agissait d’illustrer la crainte de l’homme face à la nature et à sa toute puissance. « La nature joue un rôle majeur dans l’art romantique, en témoignent les œuvres littéraires de l’époque telles que Frankensteinde Mary Shelley. Sa puissance infinie par rapport à la relative insignifiance de l’homme est souvent exprimée par des scènes de confrontations sublimes, où le monde expose à la fois ses merveilles de beauté et ses terribles dangers ».
Carlo Bossoli était un artiste romantique de premier plan. « D’origine suisse, il a puisé son inspiration dans ses séjours en Italie », explique Gianna. « Il est célèbre pour ses veduta, ses vues « romantiques » de la campagne et des villes italiennes, dépeignant la vie de leurs habitants ». Cependant, pour d’autres, la plus emblématique des toiles romantiques reste Le Voyageur contemplant une mer de nuages par Caspar David Friedrich. Cette œuvre affiche l’ambivalence de la nature qui a fasciné les romantiques : son pouvoir enchanteur et notre impuissance lorsque nous lui faisons face.
L’art du XIXe au XXe siècle – L’impressionnisme
L’irrévérence et la spontanéité se sont toutes deux retrouvées dans l’impressionnisme. Mouvement artistique clé de l’Europe du XIXe siècle, son influence se prolonge jusqu’au début du XXe siècle.« Le mot impressionnisme est apparu en France en 1874, quand un critique d’art, à la vue du chef-d’œuvre de Claude Monet intitulé Impression, soleil levant, a retenu le terme pour se référer à cette nouvelle façon de peindre », explique Gianna. « L’impressionnisme fut principalement représenté par un groupe de peintres régulièrement exposés ensemble de 1874 à 1886, parmi lesquels Monet, Edgar Degas, Auguste Renoir et Paul Cézanne ».
Les peintures impressionnistes sont définies par un élément naturel fort et, inspirées des mouvements artistiques qui les ont précédées, par un jeu de lumière, par la représentation de scènes bourgeoises, et par la restitution de paysages. « L’impressionnisme est le résultat d’une pratique spontanée de la peinture, en plein-air et face au sujet plutôt qu’en intérieur après avoir fait des croquis en extérieur, comme il était de coutume », précise Gianna. « C’est pourquoi la plupart des tableaux impressionnistes essayent de traduire la sensation de lumière par des traits de peinture, donc par la matière. Cela peut paraître contradictoire mais l’effet est saisissant. Pour réaliser une telle prouesse, les peintres travaillaient rapidement, capturant la lumière, les voluptés de la nature et ses nuances, avec des touches de couleurs instantanées. »
L’impressionnisme capture les moments fugaces de la vie, se basant davantage sur la perspective que sur un idéal de perfection. « La technique de peinture rapide des impressionnistes a remplacé l’aspect posé et la finition extrême des peintures classiques. On le voit avec le dessin d’Edgar Degas Au théâtre : Spectatrice et Saint George. La jeune femme est esquissée sur le vif, du point de vue d’un autre spectateur, l’artiste, avec des traits spontanés et sommaires. » Si la réception du mouvement a été difficile, le public et les critiques ont finalement été conquis. « On avait là une peinture très différente de l’académisme d’alors, une peinture qui capturait ce que l’œil voit plutôt que les notions préconçues de ce qu’il devrait voir. Une telle émancipation a permis aux spectateurs de prendre leurs distances avec les clichés et d’accéder à une vision plus honnête de leur environnement et de leur moi ».
L’art du XXe siècle – Le cubisme
Le cubisme est certainement le mouvement artistique le plus en rupture par rapport à ses prédécesseurs. Emmené par les grands Pablo Picasso et Georges Braque, le style cubiste a eu recours aux lignes et formes géométriques pour simplifier le sujet et le dénuer de tout sens de la perspective. « Il s’affiche comme un refus de l’imagerie figurative et offre une nouvelle vision artistique basée sur les formes abstraites », explique l’experte en art moderne Caroline Bokobza. « Beaucoup de mouvements du XXe siècle comme le futurisme, le suprématisme, le dadaïsme, le constructivisme, le vorticisme, ou encore les mouvements De Stijl et Art Deco ont été la réponse au cubisme dans plusieurs pays. »
Là où les mouvements artistiques antérieurs ont cherché à imiter la nature, le cubisme a apposé sur la toile une autre réalité, une réalité nouvellement construite et fragmentée, liée par des lignes droites et une forme structurée. Les Demoiselles d’Avignon de Picasso sont citées comme le premier exemple de précubisme ; un tableau qui représente cinq femmes aux courbes anguleuses et aux traits déjà géométriques.
Le cubisme évoluera plus tard en deux principaux sous-genres : le cubisme analytique et ses lignes dures et structurées, et le cubisme synthétique qui joue avec les couleurs et les objets du quotidien comme les emballages de tabac et les journaux. Cette introduction d’objets traditionnellement étrangers à l’art, nous la connaissons aujourd’hui sous le nom de « collage ». Elle deviendra plus tard l’un des éléments déterminants de l’art moderne.
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